Ralph Gibson Self-Portrait on Memorial of Nicephore Niepce, France 1991
viernes, 4 de agosto de 2017
Acetato de Celulosa
Acetato de Celulosa.- El acetato de celulosa (también conocido como zylonite o zyl) es el éster de acetato de la celulosa. Camille Dreyfus y su hermano menor Henri, hacia 1910, habían perfeccionado lacas de acetato y la película plástica y habían abierto una fábrica en Basilea capaz de producir aproximadamente tres toneladas por día. Esto en gran parte fue vendido a la industria de celuloide en Francia y Alemania, y a Pathe Fréres en París para la base de película de película no inflamable. Una cantidad pequeña pero constantemente creciente de laca de acetato, fue vendida a la industria aeronáutica para cubrir la tela que cubre alas y fuselaje. En Inglaterra, en 1912, se produjo el primer hilo de acetato de celulosa comercial.
Los acetatos de celulosa, bajo la denominación genérica de «películas de seguridad, fueron los materiales que sustituyeron al celuloide en la cinematografía. Lamentablemente, la denominación «película de seguridad», sólo se justifica en que estos plásticos arden con dificultad y no son, en absoluto, autoinflamables; pero desde el punto de vista de las condiciones necesarias para su conservación los acetatos han resultado tan exigentes como el celuloide.
El acetato de celulosa fue preparado por primera vez en el año 1865 pero no fue hasta entrado el siglo siguiente que se empezó a producir en forma comercial y no fue sino a mediados del siglo XX en que reemplazo definitivamente al nitrato como soporte de cinta cinematográficas. En 1909 aparecieron los primeros materiales celulósicos no inflamables, que podían dar lugar a películas flexibles y transparentes y que estaban basados en acetatos de celulosa.
En 1910 Kodak presentó en el mercado películas de 35mm con soportes de diacetato de celulosa, que tuvieron muy escasa acogida. En 1922 y 1923, Pathé y Kodak presentaron sus sistemas de 9.5mm y de 16mm, en los que utilizaban nuevos tipos, más estables, de diacetatos.
A lo largo de los años treinta y cuarenta se sucedieron las presentaciones de soportes de triacetato que no llegarían a emplearse ampliamente en cinematografía, aunque sí en otros usos como, por ejemplo, placas radiográficas. En 1948 Gevaert presentó un nuevo plástico, el acetato-butirato de celulosa y, en mismo año, Kodak iniciaría la fabricación del tipo de triacetato que acabaría por sustituir totalmente al celuloide.
Los acetatos más estables son los de mayor grado de sustitución (acetilación). Pero conseguir esa acetilación convierte en extremadamente complejo su proceso de fabricación, haciendo necesario introducir procesos de preacondicionamiento de la celulosa y dificultando la obtención de productos homogéneos hasta el punto de obligar a recurrir a la mezcla de acetatos para obtener la calidad deseada. Estas dificultades son las que explican la larga historia de las sucesivas apariciones y desapariciones de diacetatos y triacetatos y de los intentos para incorporar el uso de ésteres mixtos, como los acetatos butirato y propionato.
Los acetatos de celulosa son unos de los primeros termoplásticos moldeables por extrusión e inyección.
El acetato de celulosa, siendo soluble en solventes orgánicos como acetona, es también apropiado para hilado en fibras, las cuales se denominan «fibras de acetato». La celulosa a partir de la madera es hinchada con ácido acético, convertida en acetato de celulosa usando anhídrido acético y luego disuelta en acetona. La solución viscosa resultante es bombeada a través de hiladores formando, en aire caliente, filamentos. La acetona se evapora y es recuperada.
Harry Benson (1929)
Harry James Benson.-Nace en Escocia, llega a Estados Unidos junto con The Beatles en 1966.«...siempre he encontrado difícil fotografiar por diversión. Debo hacerlo movido por la rabia, es decir, que he de tener un propósito concreto. Yo no podría irme a pasear por New York sólo para tomar unas fotos. Pero si tengo un encargo puedo hacer tabla rasa y concentrarme en las imágenes. Uno no se mete en una pelea a menos que la esté buscando.»
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The Beatles, photographed by Harry Benson in Boston, 1966
British Journal of Photography
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Portada de 1944La revista fue fundada en 1854.
In 1912, British Journal of Photography devoted many of its pages to the increasingly popular hand cameras such as the Bébé released by Carl Zeiss. The Journal had this to say about this model: «Reduction of the hand camera to the smallest dimensions has become an accomplished fact within the past year or two—a fulfilment of the prophecy uttered many years ago in this Almanac by the late Piazzi Smythe, who, we believe, was the first to dwell upon the efficiency of a lens of large aperture and short focus for hand-camera work. Such a lens, however, is of little service unless it is united with precise construction and extreme rigidity in the camera [...] In no instrument has this been accomplished with greater success than in the Bébé pocket camera, which Messrs. Carl Zeiss have introduced, fitted with their f/4.5 "Tessar" of focal length 7 1/2 cm.»
jueves, 3 de agosto de 2017
Andreu Puig Farran (1904-1982)
Imágenes positivadas y las cajas con los negativos. (Foto: J. Á. Montañes)
La historia pareció entonces repetirse. Según Josep Cruanyes, portavoz de la entidad, los negativos pertenecieron a un fotógrafo que estuvo movilizado en la 30ª División del ejército popular que había integrado la columna Macià-Companys. Se los llevó en su exilio a Francia, como hizo Agustí Centelles, el fotógrafo más famoso de la contienda española. A diferencia de Centelles, este autor desconocido no los volvió a recuperar jamás. «Los hemos comprado a un intermediario de Barcelona, pero los ha vendido un militar retirado de Perpiñán, de unos 80 años, hijo de otro militar exiliado que estuvo en campos de refugiados franceses», explicó Cruanyes. Defendió que las fotografías son «más ricas que las de los corresponsales de guerra que visitaban el frente de forma esporádica».
La nota fue publicada por El País y replicada en la Revista Rancho Las Voces (para consultar la nota completa pulse el enlace anterior.)
Un comisario político se dirige a soldados que ayudan a segar.
Es de llamar la atención la manera en que siguen apareciendo imágenes importantes para reconstruir la Historia.
Jean Eugene Auguste Atget (1857-1927 )
Organ Grinder (1898)
Jean Eugène Auguste Atget, fue un fotógrafo francés (12 de febrero de 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 de agosto de 1927, París)
Biografía
Atget inicia estudios de arte dramático en París, los que no logra concluir. Sin embargo, con esa experiencia trabaja durante mas de 10 años como actor de provincias, sin conseguir obtener más que papeles secundarios. Desvinculado de la compañía teatral, decide establecerse en París donde se inicia como pintor, sin lograr repercusión alguna de su obra. Resuelve entonces, rondando los 40 años, dedicarse a la fotografía, abriendo un pequeño estudio. Originalmente ofrecía fotografías de paisajes pintorescos para artistas.
Inicios en la fotografía
Además de los «Documentos para artistas», Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX, especialmente de aquellas zonas, oficios o modos de existir urbanos en desaparición, luego de las reformas que sufriera la ciudad desde mediados del siglo XIX, por iniciativa del barón Haussmann. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Atget en 1927.
Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las vidrieras, una visión que sugiere algo fantasmal. Aunque las fotografías de Atget son tomas directas, y no participan de las búsquedas experimentales de las vanguardias, los surrealistas reconocieron en la obra de Atget un precursor de su estética, especialmente de la práctica del «objeto encontrado».
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Las fotos de Atget fascinaron a estos artistas surrealistas por su capacidad intuitiva para registrar los objetos familiares y aislarlos de sus relaciones lógicas con el entorno, descontextualizando y desactivando sus funciones cotidianas, y dándoles así un nuevo carácter significante. Por ejemplo, la exhibición ordenadamente repetitiva de la mercancía dispuesta en mostradores o en escaparates será un tema recurrente en Atget, y se va a convertir también en un motivo inspirador para el imaginario surrealista. La fotografía directa, sin manipulación alguna, posee intrínsecamente todas las condiciones necesarias para subvertir mágicamente las relaciones entre las cosas reales y convertirlas en imágenes surreales. En consecuencia, Atget se va a convertir en un precursor involuntario del surrealismo, puesto que se ocupó de rescatar los objetos de la calle para transformarlos en fantasmagorías revelándose en mitad de lo cotidiano. Esta estética del objet trouvé, en tanto que hallazgos inesperados, será una de las máximas de la fotografía y también de la práctica surrealista de entreguerras. No es extraño por tanto que la obra de Atget influyera tanto sobre la estética surrealista.
Gómez Isla, José (2008). Eugène Atget y la belleza convulsa en la fotografía surrealista.
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La fotografía El eclipse (1911) de Atget se publicó en la portada del N° 7 de la revista La Révolution Surrealiste. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria. En Estados Unidos está considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80. La Bibliothèque nationale de France (París) ofreció una retrospectiva de Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de julio del 2007.
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Rue des Lombards, Paris
1900
Avenue des Gobelins (1927)
Rags collector, 1899
Au tambourbr 1908
Atget's Salon, c. 1910
People watching the solar eclipse of 1912
Prostitute waiting in front of her door
_-_1963.944.jpg)
Grand Trianon, Versailles
Saint-Cloud, 1924
Hameau de la reine, Versailles, 1926
Marchand abat-jours 1899-1900
Marchand abat-jours 1899-1900
David Hurn (1936 )
David Hurn in Wales, June 2010. © Graham Harrison, «While with an eye made quiet by the power of harmony … we see into the life of things:»
Hurn es un fotógrafo autodidacta. Comenzó su carrera en 1955 trabajando para la agencia Reflex.
Se ganó su reputación como periodista fotográfico por su documentación de la revolución húngara de 1956, que fue publicada en Life Magazine, Picture Post, The Observer y otros periódicos.
A principios de los 60, trabajó como fotógrafo de moda en Londres, París y Nueva York. Sus fotografías para Vogue y Harper incluyeron a «algunas de las mujeres más hermosas del mundo».
En 1963, encargado por los productores de las películas de James Bond para realizar una serie de fotografías con Sean Connery y las actrices de Desde Rusia con amor. Como no llegó a tiempo la pistola Walther PPK, Hurn utilizó su propia pistola de aire Walther LP-53, convirtiéndose ésta en un símbolo de James Bond en muchos posters de esta serie de películas.
En 1965 entró en Magnum y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1967.
En 1967 Dino de Laurentis le contrató para fotografiar en Roma a Jane Fonda haciendo Barbarella.
En 1972, se trasladó al País de Gales, donde había pasado parte de su niñez, y en 1973 fundó la School of Documentary Photography en Newport, Gales. Dirigió la escuela hasta 1990, cuando se retiró para volver a una vida como fotógrafo a tiempo completo, trabajando en proyectos personales.
También se apartó del fotoperiodismo documental, dando una aproximación más personal a la creación de la imagen.
Su libro País de Gales: La tierra de mi padre ilustra los aspectos tradicionales y modernos del País de Gales.
Ha obtenido los premios:
1995, Arts Council of Wales Bursary
1993/94, Bradford Fellowship
1987/88, Imperial War Museum Arts Award
1979/80, U.K./USA Bicentennial Fellowship
1975, Kodak Social Photographic Bursary
1971, Welsh Arts Council Award.
Sus obras forman parte de colecciones de, entre otros museos: British Council, Londres, Bibliothèque Nationale, París, Galerie du Château d'Eau, Toulouse, International Center of Photography, Nueva York, University of New Mexico, Albuquerque, National Library of Wales, Aberystwyth, …
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ITALY. Rome. Jane Fonda who starred in Barbarella. September 1967.
The Beatles in the Abbey Road Studios, where many of their most famous records were made,examining the script of the film A Hard Days Night. London. 1964., 1964
by David Hurn
miércoles, 2 de agosto de 2017
Elliott Landy (1942)
Elliott Landy, born in 1942, began photographing the anti-Vietnam-war movement and the underground music culture in New York City in 1967. He photographed many of the underground rock and roll superstars, both backstage and onstage, from 1967 to 1969. His images of Bob Dylan and the Band, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Joan Baez, Van Morrison, Richie Havens, and many others documented the music scene during that classic rock and roll period which culminated with the 1969 Woodstock Festival, of which he was the official photographer.
After Woodstock, Elliott moved on to other inspirations and art forms, photographing his own children and travels, creating impressionist flower photographs and doing motion and kaleidoscopic photography in both still and film formats. His photographs have been published worldwide for many years in all print mediums including the covers of Rolling Stone, Life, and the Saturday Evening Post, as well as album covers, calendars, and photographic book collections.
Landy has published Woodstock Vision, The Spirit of A Generation, in book and CD-ROM format, and authored the book Woodstock 69, The First Festival. He is currently publishing a series of limited edition lithographs of his classic rock photographs. Courtesy of the artist.
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Jimi Hendrix at Fillmore East, 1968
Janis Joplin, Woodstock Festival, Bethel, NY, 1969
Dennis Stock (1928-2010)
Dennis Stock (24 de julio de 1928 - 11 de enero de 2010) fue un fotógrafo estadounidense que destacó por sus reportajes sobre el jazz a mediados del siglo XX y por sus retratos de James Dean.
Nació el 24 de julio de 1928 en el Bronx de Nueva York y pronto quedó huérfano de padre. Al estallar la segunda guerra mundial se alistó en la marina en 1944 y al finalizar ésta decidió dedicarse a la fotografía y estuvo aprendiendo fotografía con Gjon Mili entre 1947 y 1951.
En 1951 tras obtener el premio a jóvenes fotógrafos de la revista Life, Robert Capa le propuso entrar como invitado en la agencia Magnum siendo un miembro activo desde 1954 hasta su fallecimiento.
Poco después de entrar en Magnum se trasladó a Hollywood donde se hizo amigo de James Dean. Su fotografía Dean in Times Square realizada en Nueva York en 1955 se convirtió en una imagen icónica del siglo XX,3 sin embargo también realizó otros retratos del actor.
Sus reportajes sobre el mundo de la música moderna son muy conocidos especialmente el trabajo intensivo que desarrolló sobre el jazz desde 1957 durante varios años y que se recoge en parte en su libro Jazz Street con fotografías de músicos como Louis Armstrong o Miles Davis. En 1962 realizó un reportaje con menor intensidad sobre la música country.
A finales de los años sesenta estuvo conviviendo en comunas hippies y contraculturales y su trabajo lo reflejó en un libro titulado The Alternative. Murió en Sarasota (Florida) el 11 de enero de 2010.
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James Dean with pig
Audrey Hepburn
Café de Flore, París (1970)
Café de Flore, París
(1958)
James Dean, New York City, 1955., 1955
by Dennis Stock
Elliott Erwitt 1928
Elliott Erwitt (París 1928 - ) es un fotógrafo estadounidense. Trabajó para los más importantes medios de prensa. Su calidad artística y su gran impacto comunicacional lo han situado en un lugar de privilegio entre los fotógrafos del siglo XX.
Biografía
Hijo de emigrantes judíos de Rusia, pasó su niñez en Italia y Francia, pero la Segunda Guerra Mundial obligó a su familia a emigrar a los Estados Unidos.
Elliott Erwitt comenzó tomando fotografías a fines de los 40. Sus inicios fueron en un estudio fotográfico en Hollywood y más tarde como fotógrafo para diversas publicaciones. En uno de sus viajes conoció a Robert Capa, Edward Steichen y Roy Stryker, quienes se convertirían en sus destacados mentores.
En 1953 fue invitado a formar parte en la prestigiosa agencia Magnum Photos por Robert Capa, uno de sus fundadores, convirtiéndose, quince años más tarde, en el presidente de la misma.
En la década de los años 60, comenzó a realizar documentales, programas de televisión y libros. Hasta la fecha, Erwitt es autor de 18 monografías y sigue trabajando en nuevos títulos.
Su cámara ha fotografiado a muchos de los protagonistas de la historia contemporánea, tales como John Kennedy, Richard Nixon, Ernesto Che Guevara, Nikita Jrushchov, Marilyn Monroe y Jacqueline Kennedy, entre otros.
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Germany. Berlin. 1995. Wrapped Reichstag by Christo and Jeanne-Claude.,
1995
by Elliott Erwitt
Chihuahua, New York City, 1946., 1946
by Elliott Erwitt
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Entrevista
¿Cuál es la mejor fotografia que no hizo?
Una foto de Mao Tse Tung besando a la reina Isabel II.
¿Con qué fotógrafo que le gusta más trabajar? ¿Cual tiene un punto de talento?
La mayoría de los fotógrafos trabajan mejor solos, yo incluido. ¿Qué es un «punto de talento»?
¿Qué le mantiene despierto por la noche?
Mi perro Sammy. Ha llegado a roncar en su vejez.
Si no hubiese sido fotógrafo, qué le hubiera gustado ser?:
Una bailarina profesional
¿Tiene una filosofía de vida?
Sí. Disparar primero y preguntar después.
¿Cómo germina las ideas para su trabajo?
Mi «trabajo» es sobre ver, no sobre ideas.
Usted en tres palabras
Pregunte a mi esposa.
¿Qué consejo le daría a usted mismo a los 16 años de edad?
Asegúrese de quitar la tapa del objetivo antes de fotografiar.
martes, 1 de agosto de 2017
William A. Garnett: «New Orleans Industrial Complex, Swampland Tinted by Industrial Waste»
William A. Garnett New Orleans Industrial Complex, Swampland Tinted by Industrial Waste 1960
Lawrence Schiller 1936
Nace en Brooklyn en 1936, es un afamado productor y director de cine además de escritor, es hasta 2007 que expone sus fotografías en E.U. las series Marilyn Monroe and America in the 1960s.
América y los 60
El fotógrafo Lawrence Schiller retrató a las grandes figuras del star system hollywoodiense dentro y fuera de los rodajes, e incluso en la intimidad. La Academia de Cine, en colaboración con la embajada de Estados Unidos en España y Mondo Galería, expone hasta el 24 de mayo Lawrence Schiller, América y los 60, una muestra con 30 imágenes que se verán en nuestro país por primera vez. Schiller fotografió a Marilyn Monroe desnuda para Paris Match, captó la última aparición de Buster Keaton en un rodaje y el momento en que Paul Newman y Robert Redford leyeron el guión de Dos hombres y un destino. cuando empezó la década de los 60, sólo tenía 24 años.
Marilyn Monroe poniéndose una bata en el rodaje de Something´s Got to Give, 23 de mayo de 1962
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Marilyn Monroe y su profesora de arte dramático Paula Strasberg, en el rodaje de Something´s Got to Give, mayo de 1962
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Al final de un día de rodaje de Los pájaros, Tippi Hedren lleva a casa en su coche a Alfred Hitchcock
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Sentados en un bar
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Barbra Streisand
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Paul Newman y Robert Redford jugando al ping-pong
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Sophia Loren y Carlo Ponti
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Paul Newman y Robert Redford como Butch Cassidy y Sundance Kid junto a Katharine Ross, en Dos hombres y un destino
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Clint Eastwood
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
Walt Disney
©Lawrence Schiller // Cortesía MONDO GALERIA
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