Cristina de Middel presenta su último fotolibro, una reflexión sobre la masculinidad en India

De la serie The Perfect Man. CRISTINA DE MIDDEL

22 de diciembre 2017

A los 16 años, Ashak Aswani decidió un buen día ir al cine en vez de ir a trabajar. Un gran cartel con un señor muy extraño atrajo su atención; era Charles Chaplin. Aquel día perdió su empleo, después de ver cinco veces seguidas La Quimera de oro, pero comenzó a dar forma a una visión: Chaplin podría ayudar a la población de India a tener sentido del humor. De esta suerte, creó un movimiento que casi cincuenta años más tarde se ha convertido en el mayor desfile de imitadores del célebre artista en el mundo y tiene lugar en Adipur. Gloria Crespo Maclennan escribe para el suplemento Babelia de El País.

«Es una historia un poco triste, de resignación. Con un zapato te haces una sopa», comenta Cristina de Middel (Alicante, 1975), quien tomó la anécdota como punto de partida para su último proyecto, que ve ahora la luz en forma de fotolibro, The Perfect Man. Editado por La Fábrica e Images Vevey, la obra es ante todo una reflexión sobre la masculinidad en India. La artista utilizó como referencia los diez primeros minutos de otra de las películas de Chaplin, Tiempos modernos, para estructurar una narrativa en la que se mezcla el color con el blanco y negro; imágenes de archivo, imágenes encontradas y las fotografías de la autora con dibujos y textos realizados también por la artista. Tan austero como irónico y mordaz, los distintos hilos narrativos del fotolibro confluyen ágilmente en este ensamblaje que sirve al mismo tiempo de reflexión sobre la alienación del trabajo, la figura del hombre dentro de la arcaica sociedad india y la marginación de la mujer. Interesada en revisitar los grandes temas del fotoperiodismo, consideró que las condiciones de trabajo en India era uno de ellos. «Vivimos en un tiempo alienando en el que estamos cada vez más dedicados a trabajar, y el poder que tiene uno en el trabajo muchas veces es nulo,» apunta la fotógrafa. «La revolución industrial terminó pero seguimos siendo parte de un engranaje que ni controlamos ni entendemos bien»

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Harry Gruyaert: el color como documento

Los Ángeles- Las Vegas, 1981

28 de diciembre 2017

East / West, editado por el sello británico Thames & Hudson, reúne 70 fotografías inéditas del periplo del fotógrafo por Los Ángeles, Las Vegas y Moscú en los años ochenta.

El mundo moderno se expresa a sí mismo a través de sus colores. De tal manera que el azul chillón de un coche o el naranja pálido de unas cortinas nos pueden hablar tanto de un lugar y de una época como los hacen sus habitantes; los colores de un lugar son la expresión de una sociedad. Consciente de esto desde sus inicios como fotógrafo, Harry Gruyaert (Amberes, Bélgica, 1941) ha hecho del color un fin más que un medio a través del cual documenta aquellos lugares donde le acompaña su cámara. Gloria Crespo Maclenan escribe para el suplemento Babelia de El País.

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Obituario / Sergio Larraín

Sergio Larraín, retratado en Londres en 1958. JEAN MOUNIQ ROGER-VIOLLET/ CORDON PRESS

8 febrero 2012

Sergio Larraín ,el fotógrafo chileno más reputado, exmiembro de Magnum, falleció el martes a los 81 años en su casa de Tulahuén, Chile. Había dado la espalda a la fotografía de primera línea al inicio de los 70, tras adquirir su prestigio en tan solo dos décadas. Su obra, acogida en museos como el MoMa, está enmarcada en temas como la injusticia social y en retratos a personajes claves de su época, como Pablo Neruda y Pelé.

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Sergio Larraín, el fotógrafo invisible

21 de diciembre 2017

En 1959, la agencia Magnum encargó al fotógrafo chileno Sergio Larraín una misión casi imposible: fotografiar al temido capo mafioso Giuseppe Genco Russo. Larraín viajó a Sicilia con su cámara Leica en el bolsillo y recorrió todos los rincones de la isla a lo largo de tres meses sin encontrar al prófugo. Durante la búsqueda, registró a niñas jugando en corro, niños subidos a árboles, una viuda que se cubre el rostro con un velo negro en un funeral, calles de piedra cruzadas por hombres en burro. Esas imágenes están expuestas hoy en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires, pero también, protegida detrás de una vitrina, destaca una de las fotografías que sacó al Don mientras descansaba en un diván. Mar Centera reporta para El País.

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El Instagram donde enamorarte (otra vez) de las mejores fotografías de Richard Avedon

21 de diciembre 2017

Richard Avedon (Nueva York, 1923) es uno de los fotógrafos más importantes de la historia de Harper’s Bazaar. Fue la edición ‘madre’ de esta cabecera la primera en contar con sus fotografías a finales de los años cuarenta, siendo él el artífice de algunas de las instantáneas más icónicas de la revista. Muchas de ellas, incluidas en uno de los perfiles de Instagram que merece reverencias a cada imagen que sube, el de The Richard Avedon Foundation. Celia Cuervo reporta para Bazar

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La Cueva Casa Editorial

18 de diciembre 2017

Las editoriales independientes en Venezuela responden ante la crisis del país con apuestas cada vez más arriesgadas, sólidas y meritorias. Presentamos una serie de preguntas que les hicimos a los más destacados sellos nacionales de esta naturaleza, sobre el origen de su iniciativa, la labor que realizan, los autores que publican y sus próximos proyectos. Continuamos la serie con La Cueva Casa Editorial, que se inició en el año 2014 y que está conformada por Diana Vilera Díaz, Rebeca Guerra Bolet, Alejandro Sebastiani Verlezza y Felipe Vilera.

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Nan Goldin: el lado poético y duro de la fotografía

16 de diciembre 2017

El laberinto estético y poético de Nan Goldin (Washington DC, 1953), se ha convertido en un referente “clásico” de la fotografía contemporánea; convertida hoy en escenario de descubrimientos privados y celebración pública de una sólida carrera internacional sostenida a pulso y labrada con un seductor sentido del lenguaje, fruto del oficio, pero sobre todo del instinto. Nan Goldin empezó a tomar fotografías de sus compañeros de colegio a los 16 años, tras el suicidio de su hermana. En 1972 ingresó en la School of the Museum of Fine Arts de Boston, donde conoció al primero de sus personajes habituales, David Armstrong, fotógrafo y las dedicadas a las drag queen de Boston de los años setenta. En 1978 se traslada a Nueva York y comienza a trabajar en color, al tiempo que prepara la serio de fotografías La balada de la dependencia sexual ( 1982- 1995), con la que se dio a conocer en todo Estados Unidos. Miguel Ángel Muñoz escribe para La Razón.

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Carmelo Vega recoge en un libro 176 años de historia fotográfica en España

19 de diciembre 2017 

Publicado por Ediciones Cátedra, este trabajo propone un recorrido por los principales argumentos y discursos estéticos que han definido el desarrollo y la evolución de la fotografía española, desde sus orígenes hasta la actualidad, intentando desvelar, profundizar e interpretar los diferentes rumbos artísticos, las grandes corrientes de opinión y las estrategias críticas que se han sucedido a lo largo del tiempo.

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PhotoEspaña presenta el avance de sus contenidos para 2018

Antes de que acabe el año, PhotoEspaña ha querido presentar un avance de su edición 2018 que se celebrará el verano próximo, concretamente del 6 de junio al 26 de agosto. Además se trata de una edición aniversario ya que este festival internacional de fotografía y artes visuales, que celebró su primera edición en 1998, por lo que va a celebrar sus veinte años de vida. Una fiesta que comenzó el año pasado, con la vigésima edición del Festival y que se extenderá hasta diciembre de 2018, año en el PHotoESPAÑA cumple 20 años.

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Cristina de Middel juega en PhotoEspaña

Ricardo Cases, Sol, 2017

13 de diciembre 2017

"Fue ya en julio, antes de que ganara el Premio Nacional de Fotografía, cuando le ofrecimos a Cristina participar", bromea el presidente de La Fábrica e ideólogo primigenio de PHotoEspaña Alberto Anaut, asegurando que los motivos por los que la fotógrafa Cristina de Middel es la responsable de la "Carta Blanca" de este año, son otros. "Esta sección se creó el año pasado con motivo del 20° aniversario del festival y se le encomendó a Alberto García-Alix, que en muchos sentidos, es como el fotógrafo histórico de PHotoEspaña. Como la primera edición fue en 1998, decidimos mantener esta idea, y la elección de Cristina representa un símblo", explica Anaut. "Para nosotros, ella es una apuesta de futuro y una manera de destacar el papel de la mujer fotógrafa. Además, ha traído un nuevo lenguaje que quizá sea el de las dos próximas décadas, y goza de una gran proyección internacional. No se trata de poner a alguien a programar porque sí, sino de escoger a alguien que signifique algo", remacha. ANDRÉS SEOANE reporta para El Cultural.

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Fotógrafo Pablo Meneses dicta conferencia en Art Basel Miami Beach

Fotografía mexicana contemporánea experimenta un boom, asegura.

                                                                                                12 de diciembre 2017

La fotografía mexicana contemporánea y en general la latinoamericana experimentan un “boom” a nivel internacional, dijo Juan Pablo Meneses investigador de la Coordinación Académica en Arte de la mexicana Universidad Autónoma de San Luis Potosí (UASLP). Una entrega de Notimex.

“En muchos museos está pasando que empieza a haber curadurías de fotografía en México y en muchas ciudades sobre todo en Estados Unidos en ciudades como San Diego, Los Ángeles y Chicago hay mucha inquietud de llevar fotógrafos a otras latitudes”, aseguró.

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Las mejores fotografías de naturaleza National Geographic 2017

Un orangután macho mira desde detrás de un árbol mientras cruza un río en Borneo, Indonesia. JAYAPRAKASH JOGHEE BOJAN / NATIONAL GEOGRAPHIC NATURE PHOTOGRAPHER OF THE YEAR 2017

National Geographic acaba de anunciar los ganadores de su concurso de fotografía de naturaleza; Nature Photographer of the Year 2017. Vida salvaje, paisajes, fotografía aérea y bajo el agua, son las cuatro categorías en las que se ha desarrollado el concurso. Entre un total de 11.000 fotografías presentada, la imagen de un orangután macho mirando tras de un árbol mientras cruza un río en Borneo, del fotógrafo Jayaprakash Joghee, ha sido la ganadora absoluta.

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Peggy Washburn: «Leda's Children 1»

Leda's Children

«Imogen Cunningham. Nudes» La Fábrica. Madrid

Roi on the Dipsea Trail, 1918 IMOGEN CUNNINGHAM

6 de diciembre 2017

La Fábrica dedica una muestra a las imágenes con las que la artista reivindicó la belleza del cuerpo humano. Su tratamiento del género supuso un gran avance en la historia de la fotografía. GLORIA CRESPO MACLENNAN reporta para El País.

“Mi primer desnudo fue un autorretrato en el bosque, 1906, en el campus de la Universidad de Washington. Lo preparé y salté dentro, y eso fue todo”, recordaba Imogen Cunningham (Oregón, 1883 - San Francisco, 1976). Durante una larga trayectoria artística de siete décadas, la fotógrafa americana, conocida fundamentalmente por su estudio de las plantas, y sus retratos de celebridades, tocó prácticamente todos los géneros del medio, contribuyendo notablemente a ensanchar los límites de cada uno de ellos. La Fábrica nos acerca a sus desnudos - género con el que comenzó su carrera y que nunca dejó de practicar- con una pequeña pero exquisita selección que abarca varias décadas de producción artística. Pone así de manifiesto la mirada y la actitud de un espíritu libre y capaz de romper las barreras que separaban al hombre y a la mujer a comienzos del siglo XX.

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Nancy Wood: «Craftsman»

Taos and Ute Indian Portraits

Craftsman, 1987

Artist Statement

Although known primarily as a writer, with more than 30 published books to my name, I have also been a photographer for much of my life. My passion for photography began in 1961, when I married Myron Wood, a noted photographer. He opened my eyes to light and form.


Next, I met Roy Stryker, director of the FSA Historical Section. He taught what to look for in a documentary photograph. In 1974, I ventured out on my own with a project called The Grass Roots People, a study of the rural people of Colorado, done for the Colorado Centennial Commission

This project led to an unprecedented opportunity to photograph the Ute Indians. From there, I was asked to photograph a wedding at Taos Pueblo in 1984. My Indian friends encouraged me to document three and four generations of their families. I moved to Taos and began photographing the old people, everyday events such as bread making and washing clothes, and the dramatic cultural changes I saw around me.

Carol Yarrow: «Tender hearts and Ancient Words»

Tender hearts and Ancient Words 

The Lacandon Maya 

Juanico in Her Cornfield, 1996

Edward Steichen: «Nude Torso»

Edward Steichen (March 27, 1879–March 25, 1973) was an American photographer, painter, and art gallery and museum curator, born in Bivange, Luxembourg. His family moved to the United States in 1881 and he became a naturalized citizen in 1900.

Having established himself as a fine-art painter, in the beginning of the 20th century, Steichen assumed the pictorialist approach in photography and proved himself a master of it. In 1905, Steichen helped create the Little Galleries of the Photo-Secession with Alfred Stieglitz. After World War I, during which he commanded the photographic division of the American Expeditionary Forces, he reverted to straight photography, gradually moving into fashion photography. Steichen's photo of Greta Garbo (at right, featured on a Life cover) is recognized as one of the definitive portraits of the actress.

In World War II he served as Director of the Naval Photographic Institute. After the war, Steichen served until 1962 as the Director of Photography at New York's Museum of Modern Art.

Among other accomplishments, Steichen is appreciated for creating The Family of Man in 1955, a vast exhibition consisting of over 500 photos that depicted life, love and death in 68 countries. Steichen's brother-in-law, Carl Sandburg, wrote the introduction for the exhibition catalog (ISBN 0-8109-6169-5). As had been Steichen's wish, the exhibition was donated to the Grand-Duchy of Luxembourg. It is now permanently housed in the Luxembourg town of Clervaux

Ansel Adams: «Bridalveil Fall»

Bridalveil Fall, 

 Yosemite National Park, California, n.d.

Ansel Adams
(American, 1902-1984)

Ansel Adams’s documentation of the western landscape has taken on iconic significance as one of the defining purist visions of both the American West and of the photographic medium. Images such as this one, taken within the National Park System, have frequently been used to promote tourism and preservation of the landscapes they portray. El Capitan is a subject Adams photographed repeatedly, using the mountain’s towering presence to signify the sublime and unfathomable vastness of nature. Compositionally, Adams tends to frame these monuments of nature so that their iconic character is evoked, and to this aim, he avoids including the tourists and signs of habitation that surround the sites.

Born in San Francisco in 1902, Adams began working as an official photographer for the Sierra Club in 1928. In 1932 he and other California-based photographers, including Edward Weston, founded the group f64, which maintained an interest in the technically perfect photographic print. The name f64 is a reference to the smallest standardized aperture setting on the camera’s lens; photographs taken on this setting have the greatest depth of field meaning that nearly every object in the picture plane is in perfect focus. Adams developed a means of explaining exposure and development control known as the “zone system,” publishing his first book on how to master photographic technique in 1935. Over the next several years, Adams published a number of books and articles detailing his photographic approach; his titles include The Camera and the Lens (1948), The Negative (1948), The Print (1950), Natural Light Photography (1952), and Artificial Light Photography (1956). In the 1930s, Adams printed the photographs of Dorothea Lange, with whom he would collaborate with on several assignments including a study of the wartime shipyards in Richmond, California (1945), a report for Life on the Mormons in Utah, and a project on agriculture in the San Joaquin valley for Fortune (both published in the 1950s). His photographs of Yosemite Valley – a lifelong inspiration to Adams – and other subjects have been frequently reproduced, published as portfolios, and exhibited internationally. Adams was elected a Fellow of the American Academy of Arts and Sciences, and was critical in the founding of The Friends of Photography, the Ansel Adams Center for Photography, San Francisco, which existed from 1967 to 2001. In 2002, John Szarkowski organized a traveling exhibition of Adams’s work commemorating the 100th Anniversary of his birth. In 1985, a year after Adams’s death, an 11,760 foot mountain in Yosemite National Park was named Mt. Ansel Adams.

Harry Callahan: «Eleanor and Barbara»

Eleanor and Barbara, Chicago, 1954 Gelatin silver print

«Eleanor» pusla el click para ver la foto

Harry Callahan: «Eleanor»

Harry Callahan: «Eleanor»

André Kertész: «A Bistro in the Quartier Latin»

«A Bistro in the Quartier Latin»

Ansel Adams / Gates of the Valley

Gates of the Valley 1938 Yosemite

Tijuana, fundamental para carrera del fotógrafo Harry Crosby

Typical outdoor Tijuana burro portrait studio, 1964

Tijuana fue fundamental en la trayectoria de fotógrafo e historiador norteamericano Harry W. Crosby, autor de imágenes de Baja California que han logrado proyección internacional por su valor histórico.

«Fotografié muchos lugares de Tijuana, muchas y diferentes personas, fue una gran experiencia», expresó.

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La oscura verdad del anciano amante de la música (Fotografía de Joseph Eid)

2 de diciembre 2017

La fotografía tomada por el libanés Joseph Eid a Mohamed Mohiedin Anís se convirtió en un ícono de la barbarie bélica y se viralizó en las redes sociales en marzo pasado. Por entonces, la guerra siria transitaba uno de sus más dramáticos capítulos: la batalla por la ciudad de Alepo.

¿Quién es ese hombre? ¿Por qué no huyó de una ciudad que por entonces estaba convertida en un campo de batalla? ¿Cómo era su vida antes de la guerra que aún hoy desangra a su país? Un reportaje publicado por el diario El País buscó reconstruir la historia de Mohamed Mohiedin Anís, el hombre de la foto, y reveló una verdad mucho más oscura que la que cualquiera hubiera imaginado.

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Subastan colección fotográfica personal de Émile Zola

6 de diciembre 2017

Ocho años antes de su muerte, acontecida en 1902, Zola se obsesionó con la fotografía, tomando miles de fotos con sus 10 cámaras y desarrollándolas en los sótanos de sus tres casas.

«Hizo sus propias impresiones y desarrolló sus propias películas, por lo que dominó el proceso químico de la fotografía. Se equivocó de vez en cuando, pero así fue como aprendió», señaló Romand según The Guardian.

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Jaime Moreno Valenzuela: «Bailarina»

El rito, en el rito se danza...