jueves, 28 de diciembre de 2017

Cristina de Middel presenta su último fotolibro, una reflexión sobre la masculinidad en India

 CRISTINA DE MIDDEL


De la serie The Perfect Man. CRISTINA DE MIDDEL

22 de diciembre 2017

A los 16 años, Ashak Aswani decidió un buen día ir al cine en vez de ir a trabajar. Un gran cartel con un señor muy extraño atrajo su atención; era Charles Chaplin. Aquel día perdió su empleo, después de ver cinco veces seguidas La Quimera de oro, pero comenzó a dar forma a una visión: Chaplin podría ayudar a la población de India a tener sentido del humor. De esta suerte, creó un movimiento que casi cincuenta años más tarde se ha convertido en el mayor desfile de imitadores del célebre artista en el mundo y tiene lugar en Adipur. Gloria Crespo Maclennan escribe para el suplemento Babelia de El País.

«Es una historia un poco triste, de resignación. Con un zapato te haces una sopa», comenta Cristina de Middel (Alicante, 1975), quien tomó la anécdota como punto de partida para su último proyecto, que ve ahora la luz en forma de fotolibro, The Perfect Man. Editado por La Fábrica e Images Vevey, la obra es ante todo una reflexión sobre la masculinidad en India. La artista utilizó como referencia los diez primeros minutos de otra de las películas de Chaplin, Tiempos modernos, para estructurar una narrativa en la que se mezcla el color con el blanco y negro; imágenes de archivo, imágenes encontradas y las fotografías de la autora con dibujos y textos realizados también por la artista. Tan austero como irónico y mordaz, los distintos hilos narrativos del fotolibro confluyen ágilmente en este ensamblaje que sirve al mismo tiempo de reflexión sobre la alienación del trabajo, la figura del hombre dentro de la arcaica sociedad india y la marginación de la mujer. Interesada en revisitar los grandes temas del fotoperiodismo, consideró que las condiciones de trabajo en India era uno de ellos. «Vivimos en un tiempo alienando en el que estamos cada vez más dedicados a trabajar, y el poder que tiene uno en el trabajo muchas veces es nulo,» apunta la fotógrafa. «La revolución industrial terminó pero seguimos siendo parte de un engranaje que ni controlamos ni entendemos bien»

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Harry Gruyaert: el color como documento

HARRY GRUYAERT/ MAGNUM PHOTOS / CONTACTO

Los Ángeles- Las Vegas, 1981

28 de diciembre 2017

East / West, editado por el sello británico Thames & Hudson, reúne 70 fotografías inéditas del periplo del fotógrafo por Los Ángeles, Las Vegas y Moscú en los años ochenta.

El mundo moderno se expresa a sí mismo a través de sus colores. De tal manera que el azul chillón de un coche o el naranja pálido de unas cortinas nos pueden hablar tanto de un lugar y de una época como los hacen sus habitantes; los colores de un lugar son la expresión de una sociedad. Consciente de esto desde sus inicios como fotógrafo, Harry Gruyaert (Amberes, Bélgica, 1941) ha hecho del color un fin más que un medio a través del cual documenta aquellos lugares donde le acompaña su cámara. Gloria Crespo Maclenan escribe para el suplemento Babelia de El País.

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viernes, 22 de diciembre de 2017

Obituario / Sergio Larraín

 JEAN MOUNIQ ROGER-VIOLLET/ CORDON PRESS


Sergio Larraín, retratado en Londres en 1958. JEAN MOUNIQ ROGER-VIOLLET/ CORDON PRESS

8 febrero 2012

Sergio Larraín ,el fotógrafo chileno más reputado, exmiembro de Magnum, falleció el martes a los 81 años en su casa de Tulahuén, Chile. Había dado la espalda a la fotografía de primera línea al inicio de los 70, tras adquirir su prestigio en tan solo dos décadas. Su obra, acogida en museos como el MoMa, está enmarcada en temas como la injusticia social y en retratos a personajes claves de su época, como Pablo Neruda y Pelé.

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Sergio Larraín, el fotógrafo invisible

Sergio Larraín


21 de diciembre 2017

En 1959, la agencia Magnum encargó al fotógrafo chileno Sergio Larraín una misión casi imposible: fotografiar al temido capo mafioso Giuseppe Genco Russo. Larraín viajó a Sicilia con su cámara Leica en el bolsillo y recorrió todos los rincones de la isla a lo largo de tres meses sin encontrar al prófugo. Durante la búsqueda, registró a niñas jugando en corro, niños subidos a árboles, una viuda que se cubre el rostro con un velo negro en un funeral, calles de piedra cruzadas por hombres en burro. Esas imágenes están expuestas hoy en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires, pero también, protegida detrás de una vitrina, destaca una de las fotografías que sacó al Don mientras descansaba en un diván. Mar Centera reporta para El País.

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jueves, 21 de diciembre de 2017

El Instagram donde enamorarte (otra vez) de las mejores fotografías de Richard Avedon


21 de diciembre 2017


Richard Avedon (Nueva York, 1923) es uno de los fotógrafos más importantes de la historia de Harper’s Bazaar. Fue la edición ‘madre’ de esta cabecera la primera en contar con sus fotografías a finales de los años cuarenta, siendo él el artífice de algunas de las instantáneas más icónicas de la revista. Muchas de ellas, incluidas en uno de los perfiles de Instagram que merece reverencias a cada imagen que sube, el de The Richard Avedon Foundation. Celia Cuervo reporta para Bazar

miércoles, 20 de diciembre de 2017

La Cueva Casa Editorial



18 de diciembre 2017

Las editoriales independientes en Venezuela responden ante la crisis del país con apuestas cada vez más arriesgadas, sólidas y meritorias. Presentamos una serie de preguntas que les hicimos a los más destacados sellos nacionales de esta naturaleza, sobre el origen de su iniciativa, la labor que realizan, los autores que publican y sus próximos proyectos. Continuamos la serie con La Cueva Casa Editorial, que se inició en el año 2014 y que está conformada por Diana Vilera Díaz, Rebeca Guerra Bolet, Alejandro Sebastiani Verlezza y Felipe Vilera.

Nan Goldin: el lado poético y duro de la fotografía


16 de diciembre 2017

El laberinto estético y poético de Nan Goldin (Washington DC, 1953), se ha convertido en un referente “clásico” de la fotografía contemporánea; convertida hoy en escenario de descubrimientos privados y celebración pública de una sólida carrera internacional sostenida a pulso y labrada con un seductor sentido del lenguaje, fruto del oficio, pero sobre todo del instinto. Nan Goldin empezó a tomar fotografías de sus compañeros de colegio a los 16 años, tras el suicidio de su hermana. En 1972 ingresó en la School of the Museum of Fine Arts de Boston, donde conoció al primero de sus personajes habituales, David Armstrong, fotógrafo y las dedicadas a las drag queen de Boston de los años setenta. En 1978 se traslada a Nueva York y comienza a trabajar en color, al tiempo que prepara la serio de fotografías La balada de la dependencia sexual ( 1982- 1995), con la que se dio a conocer en todo Estados Unidos. Miguel Ángel Muñoz escribe para La Razón.

Carmelo Vega recoge en un libro 176 años de historia fotográfica en España

CEIDA

19 de diciembre 2017 

Publicado por Ediciones Cátedra, este trabajo propone un recorrido por los principales argumentos y discursos estéticos que han definido el desarrollo y la evolución de la fotografía española, desde sus orígenes hasta la actualidad, intentando desvelar, profundizar e interpretar los diferentes rumbos artísticos, las grandes corrientes de opinión y las estrategias críticas que se han sucedido a lo largo del tiempo.

jueves, 14 de diciembre de 2017

PhotoEspaña presenta el avance de sus contenidos para 2018


Antes de que acabe el año, PhotoEspaña ha querido presentar un avance de su edición 2018 que se celebrará el verano próximo, concretamente del 6 de junio al 26 de agosto. Además se trata de una edición aniversario ya que este festival internacional de fotografía y artes visuales, que celebró su primera edición en 1998, por lo que va a celebrar sus veinte años de vida. Una fiesta que comenzó el año pasado, con la vigésima edición del Festival y que se extenderá hasta diciembre de 2018, año en el PHotoESPAÑA cumple 20 años.

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miércoles, 13 de diciembre de 2017

Cristina de Middel juega en PhotoEspaña

Ricardo Cases

Ricardo Cases, Sol, 2017

13 de diciembre 2017

"Fue ya en julio, antes de que ganara el Premio Nacional de Fotografía, cuando le ofrecimos a Cristina participar", bromea el presidente de La Fábrica e ideólogo primigenio de PHotoEspaña Alberto Anaut, asegurando que los motivos por los que la fotógrafa Cristina de Middel es la responsable de la "Carta Blanca" de este año, son otros. "Esta sección se creó el año pasado con motivo del 20° aniversario del festival y se le encomendó a Alberto García-Alix, que en muchos sentidos, es como el fotógrafo histórico de PHotoEspaña. Como la primera edición fue en 1998, decidimos mantener esta idea, y la elección de Cristina representa un símblo", explica Anaut. "Para nosotros, ella es una apuesta de futuro y una manera de destacar el papel de la mujer fotógrafa. Además, ha traído un nuevo lenguaje que quizá sea el de las dos próximas décadas, y goza de una gran proyección internacional. No se trata de poner a alguien a programar porque sí, sino de escoger a alguien que signifique algo", remacha. ANDRÉS SEOANE reporta para El Cultural.

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Fotógrafo Pablo Meneses dicta conferencia en Art Basel Miami Beach


Fotografía mexicana contemporánea experimenta un boom, asegura.

                                                                                                12 de diciembre 2017

La fotografía mexicana contemporánea y en general la latinoamericana experimentan un “boom” a nivel internacional, dijo Juan Pablo Meneses investigador de la Coordinación Académica en Arte de la mexicana Universidad Autónoma de San Luis Potosí (UASLP). Una entrega de Notimex.

“En muchos museos está pasando que empieza a haber curadurías de fotografía en México y en muchas ciudades sobre todo en Estados Unidos en ciudades como San Diego, Los Ángeles y Chicago hay mucha inquietud de llevar fotógrafos a otras latitudes”, aseguró.

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Las mejores fotografías de naturaleza National Geographic 2017

JAYAPRAKASH JOGHEE BOJAN

Un orangután macho mira desde detrás de un árbol mientras cruza un río en Borneo, Indonesia. JAYAPRAKASH JOGHEE BOJAN / NATIONAL GEOGRAPHIC NATURE PHOTOGRAPHER OF THE YEAR 2017

National Geographic acaba de anunciar los ganadores de su concurso de fotografía de naturaleza; Nature Photographer of the Year 2017. Vida salvaje, paisajes, fotografía aérea y bajo el agua, son las cuatro categorías en las que se ha desarrollado el concurso. Entre un total de 11.000 fotografías presentada, la imagen de un orangután macho mirando tras de un árbol mientras cruza un río en Borneo, del fotógrafo Jayaprakash Joghee, ha sido la ganadora absoluta.

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Peggy Washburn: «Leda's Children 1»

Peggy Washburn

Leda's Children

martes, 12 de diciembre de 2017

«Imogen Cunningham. Nudes» La Fábrica. Madrid

IMOGEN CUNNINGHAM

Roi on the Dipsea Trail, 1918 IMOGEN CUNNINGHAM

6 de diciembre 2017

La Fábrica dedica una muestra a las imágenes con las que la artista reivindicó la belleza del cuerpo humano. Su tratamiento del género supuso un gran avance en la historia de la fotografía. GLORIA CRESPO MACLENNAN reporta para El País.

“Mi primer desnudo fue un autorretrato en el bosque, 1906, en el campus de la Universidad de Washington. Lo preparé y salté dentro, y eso fue todo”, recordaba Imogen Cunningham (Oregón, 1883 - San Francisco, 1976). Durante una larga trayectoria artística de siete décadas, la fotógrafa americana, conocida fundamentalmente por su estudio de las plantas, y sus retratos de celebridades, tocó prácticamente todos los géneros del medio, contribuyendo notablemente a ensanchar los límites de cada uno de ellos. La Fábrica nos acerca a sus desnudos - género con el que comenzó su carrera y que nunca dejó de practicar- con una pequeña pero exquisita selección que abarca varias décadas de producción artística. Pone así de manifiesto la mirada y la actitud de un espíritu libre y capaz de romper las barreras que separaban al hombre y a la mujer a comienzos del siglo XX.

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Nancy Wood: «Craftsman»


Taos and Ute Indian Portraits
Craftsman, 1987

Artist Statement

Although known primarily as a writer, with more than 30 published books to my name, I have also been a photographer for much of my life. My passion for photography began in 1961, when I married Myron Wood, a noted photographer. He opened my eyes to light and form.


Next, I met Roy Stryker, director of the FSA Historical Section. He taught what to look for in a documentary photograph. In 1974, I ventured out on my own with a project called The Grass Roots People, a study of the rural people of Colorado, done for the Colorado Centennial Commission

This project led to an unprecedented opportunity to photograph the Ute Indians. From there, I was asked to photograph a wedding at Taos Pueblo in 1984. My Indian friends encouraged me to document three and four generations of their families. I moved to Taos and began photographing the old people, everyday events such as bread making and washing clothes, and the dramatic cultural changes I saw around me.


Carol Yarrow: «Tender hearts and Ancient Words»

Carol Yarrow

Tender hearts and Ancient Words 
The Lacandon Maya 
Juanico in Her Cornfield, 1996

Edward Steichen: «Nude Torso»

Edward Steichen


Edward Steichen (March 27, 1879–March 25, 1973) was an American photographer, painter, and art gallery and museum curator, born in Bivange, Luxembourg. His family moved to the United States in 1881 and he became a naturalized citizen in 1900.

Having established himself as a fine-art painter, in the beginning of the 20th century, Steichen assumed the pictorialist approach in photography and proved himself a master of it. In 1905, Steichen helped create the Little Galleries of the Photo-Secession with Alfred Stieglitz. After World War I, during which he commanded the photographic division of the American Expeditionary Forces, he reverted to straight photography, gradually moving into fashion photography. Steichen's photo of Greta Garbo (at right, featured on a Life cover) is recognized as one of the definitive portraits of the actress.

In World War II he served as Director of the Naval Photographic Institute. After the war, Steichen served until 1962 as the Director of Photography at New York's Museum of Modern Art.

Among other accomplishments, Steichen is appreciated for creating The Family of Man in 1955, a vast exhibition consisting of over 500 photos that depicted life, love and death in 68 countries. Steichen's brother-in-law, Carl Sandburg, wrote the introduction for the exhibition catalog (ISBN 0-8109-6169-5). As had been Steichen's wish, the exhibition was donated to the Grand-Duchy of Luxembourg. It is now permanently housed in the Luxembourg town of Clervaux


Ansel Adams: «Bridalveil Fall»

Ansel Adams

Bridalveil Fall, 
 Yosemite National Park, California, n.d.

Ansel Adams
(American, 1902-1984)

Ansel Adams’s documentation of the western landscape has taken on iconic significance as one of the defining purist visions of both the American West and of the photographic medium. Images such as this one, taken within the National Park System, have frequently been used to promote tourism and preservation of the landscapes they portray. El Capitan is a subject Adams photographed repeatedly, using the mountain’s towering presence to signify the sublime and unfathomable vastness of nature. Compositionally, Adams tends to frame these monuments of nature so that their iconic character is evoked, and to this aim, he avoids including the tourists and signs of habitation that surround the sites.

Born in San Francisco in 1902, Adams began working as an official photographer for the Sierra Club in 1928. In 1932 he and other California-based photographers, including Edward Weston, founded the group f64, which maintained an interest in the technically perfect photographic print. The name f64 is a reference to the smallest standardized aperture setting on the camera’s lens; photographs taken on this setting have the greatest depth of field meaning that nearly every object in the picture plane is in perfect focus. Adams developed a means of explaining exposure and development control known as the “zone system,” publishing his first book on how to master photographic technique in 1935. Over the next several years, Adams published a number of books and articles detailing his photographic approach; his titles include The Camera and the Lens (1948), The Negative (1948), The Print (1950), Natural Light Photography (1952), and Artificial Light Photography (1956). In the 1930s, Adams printed the photographs of Dorothea Lange, with whom he would collaborate with on several assignments including a study of the wartime shipyards in Richmond, California (1945), a report for Life on the Mormons in Utah, and a project on agriculture in the San Joaquin valley for Fortune (both published in the 1950s). His photographs of Yosemite Valley – a lifelong inspiration to Adams – and other subjects have been frequently reproduced, published as portfolios, and exhibited internationally. Adams was elected a Fellow of the American Academy of Arts and Sciences, and was critical in the founding of The Friends of Photography, the Ansel Adams Center for Photography, San Francisco, which existed from 1967 to 2001. In 2002, John Szarkowski organized a traveling exhibition of Adams’s work commemorating the 100th Anniversary of his birth. In 1985, a year after Adams’s death, an 11,760 foot mountain in Yosemite National Park was named Mt. Ansel Adams.


Harry Callahan: «Eleanor and Barbara»

Harry Callahan

Eleanor and Barbara, Chicago, 1954 Gelatin silver print

«Eleanor» pusla el click para ver la foto

Harry Callahan: «Eleanor»


Harry Callahan: «Eleanor»

André Kertész: «A Bistro in the Quartier Latin»


«A Bistro in the Quartier Latin»

sábado, 9 de diciembre de 2017

viernes, 8 de diciembre de 2017

Tijuana, fundamental para carrera del fotógrafo Harry Crosby


Harry Crosby

Typical outdoor Tijuana burro portrait studio, 1964

Tijuana fue fundamental en la trayectoria de fotógrafo e historiador norteamericano Harry W. Crosby, autor de imágenes de Baja California que han logrado proyección internacional por su valor histórico.

«Fotografié muchos lugares de Tijuana, muchas y diferentes personas, fue una gran experiencia», expresó.

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jueves, 7 de diciembre de 2017

La oscura verdad del anciano amante de la música (Fotografía de Joseph Eid)



2 de diciembre 2017

La fotografía tomada por el libanés Joseph Eid a Mohamed Mohiedin Anís se convirtió en un ícono de la barbarie bélica y se viralizó en las redes sociales en marzo pasado. Por entonces, la guerra siria transitaba uno de sus más dramáticos capítulos: la batalla por la ciudad de Alepo.

¿Quién es ese hombre? ¿Por qué no huyó de una ciudad que por entonces estaba convertida en un campo de batalla? ¿Cómo era su vida antes de la guerra que aún hoy desangra a su país? Un reportaje publicado por el diario El País buscó reconstruir la historia de Mohamed Mohiedin Anís, el hombre de la foto, y reveló una verdad mucho más oscura que la que cualquiera hubiera imaginado.

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miércoles, 6 de diciembre de 2017

Subastan colección fotográfica personal de Émile Zola





6 de diciembre 2017

Ocho años antes de su muerte, acontecida en 1902, Zola se obsesionó con la fotografía, tomando miles de fotos con sus 10 cámaras y desarrollándolas en los sótanos de sus tres casas.

«Hizo sus propias impresiones y desarrolló sus propias películas, por lo que dominó el proceso químico de la fotografía. Se equivocó de vez en cuando, pero así fue como aprendió», señaló Romand según The Guardian.

La nota completa en el siguiente Link Subastan colección fotográfica personal de Émile Zola

viernes, 4 de agosto de 2017

Ralph Gibson: «Self-Portrait on Memorial of Nicephore Niepce»


Ralph Gibson Self-Portrait on Memorial of Nicephore Niepce, France 1991

Acetato de Celulosa



Acetato de Celulosa.-  El acetato de celulosa (también conocido como zylonite o zyl) es el éster de acetato de la celulosa. Camille Dreyfus y su hermano menor Henri, hacia 1910, habían perfeccionado lacas de acetato y la película plástica y habían abierto una fábrica en Basilea capaz de producir aproximadamente tres toneladas por día. Esto en gran parte fue vendido a la industria de celuloide en Francia y Alemania, y a Pathe Fréres en París para la base de película de película no inflamable. Una cantidad pequeña pero constantemente creciente de laca de acetato, fue vendida a la industria aeronáutica para cubrir la tela que cubre alas y fuselaje. En Inglaterra, en 1912, se produjo el primer hilo de acetato de celulosa comercial.

Los acetatos de celulosa, bajo la denominación genérica de «películas de seguridad, fueron los materiales que sustituyeron al celuloide en la cinematografía. Lamentablemente, la denominación «película de seguridad», sólo se justifica en que estos plásticos arden con dificultad y no son, en absoluto, autoinflamables; pero desde el punto de vista de las condiciones necesarias para su conservación los acetatos han resultado tan exigentes como el celuloide.

El acetato de celulosa fue preparado por primera vez en el año 1865 pero no fue hasta entrado el siglo siguiente que se empezó a producir en forma comercial y no fue sino a mediados del siglo XX en que reemplazo definitivamente al nitrato como soporte de cinta cinematográficas. En 1909 aparecieron los primeros materiales celulósicos no inflamables, que podían dar lugar a películas flexibles y transparentes y que estaban basados en acetatos de celulosa.

En 1910 Kodak presentó en el mercado películas de 35mm con soportes de diacetato de celulosa, que tuvieron muy escasa acogida. En 1922 y 1923, Pathé y Kodak presentaron sus sistemas de 9.5mm y de 16mm, en los que utilizaban nuevos tipos, más estables, de diacetatos.

A lo largo de los años treinta y cuarenta se sucedieron las presentaciones de soportes de triacetato que no llegarían a emplearse ampliamente en cinematografía, aunque sí en otros usos como, por ejemplo, placas radiográficas. En 1948 Gevaert presentó un nuevo plástico, el acetato-butirato de celulosa y, en mismo año, Kodak iniciaría la fabricación del tipo de triacetato que acabaría por sustituir totalmente al celuloide.

Los acetatos más estables son los de mayor grado de sustitución (acetilación). Pero conseguir esa acetilación convierte en extremadamente complejo su proceso de fabricación, haciendo necesario introducir procesos de preacondicionamiento de la celulosa y dificultando la obtención de productos homogéneos hasta el punto de obligar a recurrir a la mezcla de acetatos para obtener la calidad deseada. Estas dificultades son las que explican la larga historia de las sucesivas apariciones y desapariciones de diacetatos y triacetatos y de los intentos para incorporar el uso de ésteres mixtos, como los acetatos butirato y propionato.

Los acetatos de celulosa son unos de los primeros termoplásticos moldeables por extrusión e inyección.

El acetato de celulosa, siendo soluble en solventes orgánicos como acetona, es también apropiado para hilado en fibras, las cuales se denominan «fibras de acetato». La celulosa a partir de la madera es hinchada con ácido acético, convertida en acetato de celulosa usando anhídrido acético y luego disuelta en acetona. La solución viscosa resultante es bombeada a través de hiladores formando, en aire caliente, filamentos. La acetona se evapora y es recuperada.


Harry Benson (1929)

Harry James Benson.-Nace en Escocia, llega a Estados Unidos junto con The Beatles en 1966.


 «...siempre he encontrado difícil fotografiar por diversión. Debo hacerlo movido por la rabia, es decir, que he de tener un propósito concreto. Yo no podría irme a pasear por New York sólo para tomar unas fotos. Pero si tengo un encargo puedo hacer tabla rasa y concentrarme en las imágenes. Uno no se mete en una pelea a menos que la esté buscando.»



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The Beatles, photographed by Harry Benson in Boston, 1966


British Journal of Photography

Portada de 1944


 La revista fue fundada en 1854.

















In 1912, British Journal of Photography devoted many of its pages to the increasingly popular hand cameras such as the Bébé released by Carl Zeiss. The Journal had this to say about this model: «Reduction of the hand camera to the smallest dimensions has become an accomplished fact within the past year or two—a fulfilment of the prophecy uttered many years ago in this Almanac by the late Piazzi Smythe, who, we believe, was the first to dwell upon the efficiency of a lens of large aperture and short focus for hand-camera work. Such a lens, however, is of little service unless it is united with precise construction and extreme rigidity in the camera [...] In no instrument has this been accomplished with greater success than in the Bébé pocket camera, which Messrs. Carl Zeiss have introduced, fitted with their f/4.5 "Tessar" of focal length 7 1/2 cm.»

jueves, 3 de agosto de 2017

Andreu Puig Farran (1904-1982)



Imágenes positivadas y las cajas con los negativos. (Foto: J. Á. Montañes)

La historia pareció entonces repetirse. Según Josep Cruanyes, portavoz de la entidad, los negativos pertenecieron a un fotógrafo que estuvo movilizado en la 30ª División del ejército popular que había integrado la columna Macià-Companys. Se los llevó en su exilio a Francia, como hizo Agustí Centelles, el fotógrafo más famoso de la contienda española. A diferencia de Centelles, este autor desconocido no los volvió a recuperar jamás. «Los hemos comprado a un intermediario de Barcelona, pero los ha vendido un militar retirado de Perpiñán, de unos 80 años, hijo de otro militar exiliado que estuvo en campos de refugiados franceses», explicó Cruanyes. Defendió que las fotografías son «más ricas que las de los corresponsales de guerra que visitaban el frente de forma esporádica».

La nota fue publicada por El País y replicada en la Revista Rancho Las Voces (para consultar la nota completa pulse el enlace anterior.)



Un comisario político se dirige a soldados que ayudan a segar. 


Es de llamar la atención la manera en que siguen apareciendo imágenes importantes para reconstruir la Historia.


Jean Eugene Auguste Atget (1857-1927 )

Organ Grinder (1898)

Jean Eugène Auguste Atget, fue un fotógrafo francés (12 de febrero de 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 de agosto de 1927, París)

Biografía

Atget inicia estudios de arte dramático en París, los que no logra concluir. Sin embargo, con esa experiencia trabaja durante mas de 10 años como actor de provincias, sin conseguir obtener más que papeles secundarios. Desvinculado de la compañía teatral, decide establecerse en París donde se inicia como pintor, sin lograr repercusión alguna de su obra. Resuelve entonces, rondando los 40 años, dedicarse a la fotografía, abriendo un pequeño estudio. Originalmente ofrecía fotografías de paisajes pintorescos para artistas.

Inicios en la fotografía

Además de los «Documentos para artistas», Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX, especialmente de aquellas zonas, oficios o modos de existir urbanos en desaparición, luego de las reformas que sufriera la ciudad desde mediados del siglo XIX, por iniciativa del barón Haussmann. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Atget en 1927.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las vidrieras, una visión que sugiere algo fantasmal. Aunque las fotografías de Atget son tomas directas, y no participan de las búsquedas experimentales de las vanguardias, los surrealistas reconocieron en la obra de Atget un precursor de su estética, especialmente de la práctica del «objeto encontrado».

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Las fotos de Atget fascinaron a estos artistas surrealistas por su capacidad intuitiva para registrar los objetos familiares y aislarlos de sus relaciones lógicas con el entorno, descontextualizando y desactivando sus funciones cotidianas, y dándoles así un nuevo carácter significante. Por ejemplo, la exhibición ordenadamente repetitiva de la mercancía dispuesta en mostradores o en escaparates será un tema recurrente en Atget, y se va a convertir también en un motivo inspirador para el imaginario surrealista. La fotografía directa, sin manipulación alguna, posee intrínsecamente todas las condiciones necesarias para subvertir mágicamente las relaciones entre las cosas reales y convertirlas en imágenes surreales. En consecuencia, Atget se va a convertir en un precursor involuntario del surrealismo, puesto que se ocupó de rescatar los objetos de la calle para transformarlos en fantasmagorías revelándose en mitad de lo cotidiano. Esta estética del objet trouvé, en tanto que hallazgos inesperados, será una de las máximas de la fotografía y también de la práctica surrealista de entreguerras. No es extraño por tanto que la obra de Atget influyera tanto sobre la estética surrealista.

Gómez Isla, José (2008). Eugène Atget y la belleza convulsa en la fotografía surrealista.

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La fotografía El eclipse (1911) de Atget se publicó en la portada del N° 7 de la revista La Révolution Surrealiste. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria. En Estados Unidos está considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80. La Bibliothèque nationale de France (París) ofreció una retrospectiva de Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de julio del 2007.

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Rue des Lombards, Paris 1900




Avenue des Gobelins (1927)



Rags collector, 1899


Au tambourbr 1908



Atget's Salon, c. 1910



People watching the solar eclipse of 1912



Prostitute waiting in front of her door



Grand Trianon, Versailles



Saint-Cloud, 1924



Hameau de la reine, Versailles, 1926


Marchand abat-jours 1899-1900